Una chispa no es un próposito

Lamento no haber asistido al ciclo organizado por Fernando Martín Peña en el MALBA dedicado a la obra (recuperada) de Hugo del Carril. Ahora, para ver su última película,  Yo maté a Facundo(1975), debí recurrir la copia estrepitosa que está en Youtube. Recortada, con el color raro y con deformación ópticas que no termino de entender de dónde provienen. A pesar de todos estos factores (prefiero no mencionar el sonido), la película se entiende. Sin análisis que venga al caso, recalco una vez más la falta de una cinemática nacional.

Debo admitir que no soy devoto de Kubrick, me aburren la mayoría de sus películas, siento que a los personajes le faltan vida (en muchos casos adrede). No por ello lo considero un autor menor, entiendo su importancia y sobre todo su legado. Me gusta especialmente revisar sus primeros films, en el momento en que no lo devoraba su ego y no era considerado auteur. Me encontré con una historia repetida (hoy repetida, a la fecha del estreno desconozco) acerca de gente sin mucha relación previa que decide llevar adelante un asalto. Cada uno tiene sus propios motivos (de mayor o menor peso dramático). Casta de malditos(1956) es entretenida sin duda, pero en ningún momento tuve duda que iban a poder concretar el crimen sin pagar al final. 

Casi tan cerca a la tradición de regalar juguetes y ropa, ver películas navideñas esta semana está instalado (de forma forzada) en nuestra cultura. Digo forzada porque en la mayoría de historias transcurre en un clima diferente, incluso el acto de regalar se lleva a cabo en momentos diferentes del día.

Como ya nos cansamos de ver a un niño maltratar a dos ladrones de medio pelo, cada año buscamos algo diferente. En esta ocasión decidí ver qué pasaba si Kurt Russell se calzaba el traje de Papá Noel. El resultado es completamente satisfactorio. Las Crónicas de Navidad(2018) logra una frescura utilizando a un personaje tan gastado. En estas circunstancias, caer en lugares comunes está más que permitido.

Otra película vista el 25 fue Soul(2020), la nueva película de Pixar que resultó ser navideña sin nombrar siquiera la festividad. Quizás, muy parecida a Qué bello es vivir(1946). Más allá de los vericuetos de la trama (un dudoso tercer acto), quedé sorprendido con la iluminación, donde cada vez quedan menos dudas de que es posible imitar la realidad.

Estamos siendo atacados por el futuro

La vuelta al cine sigue siendo muy muy esperada, siempre se cree que se puede volver el mes que viene (si la ola bajara y las vacunas se distribuyeran). El calendario de los grandes tanques estadounidenses se reprograma todas las semanas. Un de los estrenos más prometedores, que tuvo su runrun desde 2019 incluso, es Tenet(2020) de Christopher Nolan, y era la película con la que planeaba volver al cine. La espera fue (sigue siendo en realidad) larga y sucumbí frente a la tentación de la piratería al escuchar comentarios negativos sobre la obra. Aún así la vi en las mejores condiciones hogareñas posibles. 

El director enroscado contraataca con una idea complicada embalada en una trama compleja con muchas escenas de gente charlando largo rato intentando explicarla. Cargada de mcguffins desde el título palíndromo, logra entretener, pero pasados los diez minutos las dudas aparecen.

Mucho se habla sobre la calidad de las secuelas en cuanto a proyectos acabados, desde ya cuando no están planeados al momento de hacer la primera. La formulación sería (distinta al momento de hacer la remake): parecido + algo nuevo. Si bien es una formula ambigua, voy a buscar otro modo de expresarlo. Intetando no caer en un sitio común de los libros de guion (en vano): vayamos a buscar al protagonista y enfrentémoslo de nuevo a su enemigo, pero que esta vez sea más difícil (aunque termine siendo igual o más fácil). La frase de Michael Corleone en El Padrino, parte III(1990), lo confirma: "Just when I thought I was out... they pull me back in". E igual que a Alan Grant en Jurassic Park III(2001), esta semana descubrí (sin ningún asombro) que a Ripley le pasa lo mismo en Aliens(1986). Ahora no hay uno, sino que son muchos; los malos son los empresarios y le sumamos un vínculo maternal. Parecido + algo nuevo. 

Luego del fin de temporada de The Mandalorian(2019-2020), me quedé con ganas de explorar (consumir) más sobre este universo muy muy lejano. Ya hacia los últimos episodios apareció un mítico personaje de la trilogía original, uno creado por el marketing puro. Recordé su primera aparición (animada) dentro del especial de navidad que ahora quedó fuera del canon actual. Un especial que da cuenta lo poco planeado que tenía (tiene) las cosas Lucas. Y creo que de eso de burla el nuevo especial navideño,  The Lego Star Wars Hollyday Special(2020), que supongo que desde ya no es canon (como ninguna animación creada de Lego) pero repasa muchos lugares que no tienen sentido en toda la historia, lo que lo convierte un recorrido ameno y hasta divertido. 

Si hubiera tenido más tiempo, hubiese escrito una carta más corta

 Seguimos con una semana de vacas flacas. Pero con un gran estreno que propuso rever un gran clásico para tener vivo el contexto. La nueva es Mank(2020) que se puede ver en el streaming de la gran N roja, y el clásico es El Ciudadano(1941) que se puede ver en Qubit. 

Creo que las películas que se encarguen de contar la historia detrás de otra película valen la pena, ya sea documental o ficción. No sólo por el interés de saber cómo se hace una película (esta pregunta jamás es contestada), sino porque da lugar a entender que las producciones están sujetas a su contexto, que las personas que la hicieron estaban pasando por algo. Mank justamente apunta hacia ese lado, quién estaba a la cabeza de un estudio cinematográfico durante los años '30, los intereses  de quién estaban en juego. Y considero que la película logra que nos preguntemos lo mismo ahora, sobre todo cuando no la estamos viendo una sala de cine. 

El segundo asunto que pone en tema de juicio el film de Fincher es la autoría de una obra cinematográfica, un tema que da que hablar mientras siga vigente la teoría del autor que recae sobre la figura del director (aplicable para aquellos que tengan un estilo propio, claro). El film parece más cercano a la postura que rescataba Pauline Kael en su libro homónimo a la película de Welles, aunque el final demuestra que ninguno quiso hacerse cargo de ir a recibir el único Oscar que congratuló a la cinta. 

El cine de Nanni Moretti me resulta siempre didáctico y divertido, por eso no me apuro para ver sus películas. Esta semana vi al pasar Aprile(1998), también en Qubit. Un cine que me gusta descubrir de a poco, donde se entra en la lógica en seguida, sin necesidad de aclarar hasta donde llega lo ficcional y hasta donde la realidad que vive el director. Sería fácil compararlo con Woody Allen por su personalidad, pero utiliza recursos completamente diferentes. Me animo a decir que el método es justamente el inverso, mientras Woody Allen siempre encarna un personaje que se parece a él, Nanni se encarna así mismo personificado. 

Sigo con la retrospectiva de Rohmer en MUBI dentro de su colección  comedias y proverbios donde explora estados que parecen sacados de la literatura, pero que sin embargo se tornan de lo más cinematográficos. En El rayo verde(1986) encontramos bastante de esto en el proceso que atraviesa su protagonista. Debo seguir viendo para poder generar una idea más concreta de lo que su cine pone en manifiesto. 

¿Qué pasa? ¿Me quieren robar?

Una película que comienza citando a Faulkner, de por sí me genera intriga. La citas al comienzo proponen que se van a tocar temas importantes. Aunque no sea siempre así, como es el caso de Come to daddy(2019). Pero quiero volver a los grandes temas, y al acercamiento que buscan las películas de prestigio. Luego de la cita a Faulkner (que reaparecerá citada por un personaje más adelante), la primera media hora de Antebellum(2020) parece una secuela directa de Doce años de esclavitud(2013). Si bien el gran tema que aborda la película es el racismo, prefiero hablar del tratamiento: ¿Cómo no caer en lugares comunes para hablar de algo que consideramos que está mal y sigue ocurriendo?¿Vale la pena exponerlo sin metáfora de por medio? El giro de la trama llega (quizás un poco tarde) y logra correrse de la fábula para explorar otro género. Años después de haber visto Get Out(2017) varias veces, se me generan las mismas preguntas: ¿No estaba resuelto el tema con suficiente altura?¿Había que hacerlo tan explicito?

Quizás Get Out ya responde todas mis preguntas. 

El nuevo corto de Yorgos Lanthimos estrenado en MUBI,  Nimic(2019) trae a tela de juicio uno de mis mayores miedos irracionales varias veces representados en el cine. La posibilidad de volver a casa y encontrar a alguien idéntico a mí ocupando mi lugar sin que nadie note la diferencia me aterra profundamente. Mi accionar a partir de encontrar un doppelganger me preocupa, ¿me quedo e intento compartir mi vida?¿Borrón y cuenta nueva?¿Pelea a muerte? Pero también me genera muchas dudas sobre mi persona y de esto va el corto: ¿tan fácil es reemplazarme?

Si bien esta entrega está poblada de preguntas, el estreno de Sangre(2020) por Cine.ar no se queda afuera. ¿En qué punto un hombre alcanza la satisfacción?¿Existe dicha satisfacción?¿Hay thriller sin sexo? Hasta el 3 de febrero en Cine.ar Estrenos por un módico precio de 30 pesos. 

Las olas, el viento, sucundún sucundún

El año pasado asistí por primera vez al Festival de Mar del Plata en su edición número 34. La larga espera se cumplió y fue todo lo que anhelaba. Si bien ya hace varios años que asisto al BAFICI, donde hay que encontrar huecos en la rutina, trasladarse para ir a un festival es vivir el festival. 

Este año, más allá de exhibir un trabajo, estaba negado al Festival en su modalidad online. Sin ir más lejos, sentía que me perdía vivir el Festival. No revisé la programación ni busqué el instructivo. Sin embargo, el primer día me tenté. Busqué rápidamente el sitio web y le di play a la primera película que me apareció (de las recomendadas por el newsletter de La vida útil). Isabella(2020) me recordó lo mucho que me gusta el cine que se proyecta en festivales. Lo que me llevó a preguntarme: ¿Cuál es el espectador promedio de los festivales?. La primera idea que se me forma es la de un espectador activo, es decir, aquella persona que sabe de entrada que tiene que estar atento. Aunque haya películas inentendibles de todas maneras, o películas más amenas, uno creo que en la película hay algo más aparte de lo que ve. El montaje no lineal de Isabella obliga al espectador a estar atento, a entender la lógica narrativa hasta que en un momento queda claro y uno ya se puede entregar a los personajes que en sí son el alma de esta película. 

Siguiendo esta línea, se pudieron ver durante el Festival montones de cortos de los cuales solo vi tres y cada uno interpela a su manera. Leaf(2020) lo hace desde los recursos que la animación le permiten, Poilean(2020) desde la mera observación de un radiante paisaje rural y Donde podemos encontrarnos(2020) desde una exquisita división de pantallas.(Cabe destacar que este último se pudo ver en el marco Pantalla UBA, quizás el lugar donde mejor se trabaje la experimentación desde lo académico hoy en día).

Si hay algo que me gustan en particular de los Festivales son las retrospectivas y homenajes. La posibilidad de ver una obra maestra en pantalla grande y buena calidad (aunque durante esta edición solo se dio esta última) que de otra manera no haya sido posible (generalmente por mi edad), me llena de satisfacción. Y así fue al ver La cifra impar(1962) el primer largo de Manuel Antin. La otra gran figura dentro de trayectorias fue Edgardo Cozarinsky, a quien estuve leyendo estos días. La sensibilidad que maneja en sus películas es de un nivel superior. Sobre todo Medium(2020) su documental sobre Margarita Fernández. 

Lo que más me llamó la atención fue la presencia (o mejor dicho, la ausencia) de Cozarinsky en la película (videoensayo) de Nicolás Zukenfeld No existen treinta y seis maneras de mostrar cómo un hombre se sube a un caballo(2020). Creo que no hay mejor forma de cerrar el festival que con una película que te da ganas de ver películas. 

Pienso un poco en el recorrido de la semana y me di cuenta de que hubo (llegué a ver) varias películas con protagonistas jóvenes (lo que ya he nombrado como adolescentes bien) y temas familiares. Algunas que me divirtieron como Shiva Baby(2020) y Las siamesas(2020), una que me hizo reflexionar como La escuela del bosque(2020) y dos que pasaron sin pena ni gloria como Sophie Jones(2020) y Seize Printemps(2020). 

Ahora,  ya pensando si el próximo año podré volver a la Perla del Atlántico, aprecio haberle robado tiempo a la rutina cargada de trabajo para ver una docena de películas en este Festival tan querido. 

Es contagioso como te reís

Después de mucho tiempo pendiente, al fin vi Familia Sumergida(2018) dentro del evento de EDA Presenta donde hablamos con su directora y su editora. Muchas películas tratan el duelo, la perdida de alguien cercano, y hasta el momento, no he visto ejemplos que se repitan. Cada film, o mejor dicho, cada mirada sobre el tema está atravesada por un historia personal. Siento que nadie puede narrar un duelo si no ha pasado por la experiencia. Y de algún modo, lo mismo sucede con el espectador, si no ha transcurrido un duelo, difícilmente empatice con sus personajes. 

Como bien se entiende en el film, el duelo es un proceso, puertas que se abren, un rutina desdibujada. Una protagonista que deambula dentro de sus propios límites. En algún punto me hace acordar mucho a La luz incidente(2015).

Hay un camino de la ciencia ficción que no precisa de la ciencia verosímil para crear monstruos o hacer cosas imposibles. Donde el hecho de explicar cómo llegaron a tal puerto se vuelve incluso absurdo. Con Re-animator(1985) pasa un poco esto, el objetivo es ver qué pasa cuando devolvemos a alguien a la vida. De entrada sabemos que va a salir mal, de hecho la primera escena a modo de prólogo trata de eso. Y no hay vuelta. Entonces la ciencia se corre a un lado y entra el terror (más cercano a la comedia) donde todo lo que puede pasar en una morgue, pasa. 

Si bien no soy un gran conocedor de la nouvelle vague, reconozco que hay grandes autores que estoy esperando el momento para conocer. Es el caso de Rohmer y aproveché la retrospectiva de MUBI para entrar. Pauline en la playa(1983) es la sensación total de estar de vacaciones, donde el tiempo no corre a nadie. Debo admitir que me gustó, uno como espectador entra en la lógica de la película y se siente parte. Seguiré con la retrospectiva.

Tengo una categoría entre las películas que voy viendo a la que denominé Adolescente Bien. Se trata en su mayoría coming of age donde considero que los adolescentes son tratados como gente de su edad y no estereotipos de películas como High School Musical(2006). Pero esta semana tuve que dejar lado esta categoría por una nueva: la ESI movie. Unpregnant(2020) da pie a esta nueva categoría sin la necesidad de ser un panfleto, tratando los temas con la altura que merecen (en primer lugar el aborto). Si bien por momentos cae en lugares básicos (tanto situaciones como personajes) tiene varios aciertos. 

I believe we have adquired the power of speech

 Volví a ver después de mucho tiempo Mamá ¡soy un pez!(2000), película que consideré perdida mucho tiempo (incluso me costó encontrarla en los principales sitios de piratería) ya que sólo la había visto en un VHS ajeno. Pregunté entre mis allegados si tenían recuerdo de esta animación danesa, no hay mucho registro de su paso por el cine, salvo mi amiga Martina Vidret que asegura haberla visto con su abuela en el Multiplex Belgrano.

La película funciona, es corta, establece muy rápido a sus protagonistas arquetípicos y los sumerge en la aventura. La música, o mejor dicho, las escenas musicales están muy ancladas al momento de su realización y el paso del tiempo cada vez lo demuestra más. La combinación de animación 2D con 3D está al nivel de las Disney de ese momento (sin ir más lejos, me hizo recordar mucho a El planeta del tesoro(2002) aunque se trama sea parecida a Las locuras del emperador(2000)).

En el camino de Disney a convertirse en un gran monopolio, la compra de la Fox trajo consigo muchos grises respecto a como se van a unir las historias del universo Marvel, ya que sin problemas (salvo para los guionistas) los X-men se con conjugan con los Vengadores en los comics. Si no me equivoco, con The new mutants(2020) se concretan los proyectos previos de la Fox. La película estuvo encajonada un par de años y finalmente cayó en los torrents la semana pasada. 

Buena, mala, me da igual. Cumple con la formula, cae en lugares comunes pero se agradece que no hayan forzado la intromisión de ningún personaje preexistente (gracias por no resolver otra película con Jean Grey y el fénix). Me animo a decir que funciona mejor, incluso, que las dos películas anteriores. 

A pesar de haberme negado por cuatro años (luego de haber visto la primera parte), finalmente vimos Sharknado 2: the second one(2014). Al verla reafirmé los motivos por los que me había negado, aquellos que en esta segunda parte exageran. La autoconciencia de estar realizando un producto que de entrada se sabe que va a ser malo, genera en mí muchos interrogantes. Sé que no suelo hablar de películas que no me gustaron, pero ésta en particular me interpela como participe del mundo cinematográfico. La primera pregunta que se me viene es: ¿por qué aquello que en la primera parte quedó como un error, en ésta se repite como un logro? Estando la mayor parte del tiempo en los márgenes de lo inverosímil (para la propia trama), no parece vislumbrarse ningún interés por tomar una posición ética al respecto. Con esto no voy a que la película debe replantearse todo el tiempo su posición, sino que ni siquiera se toma en joda a sí misma. No parece haber un placer por hacer las cosas mal (tampoco hay pruebas de que se pueda llegar a hacer bien). Un ejemplo rápido: los actores actúan mal (cada uno en el registro que quiere) y nadie se burla de que actúan mal. 

No quiero extenderme mucho con los defectos que le encuentro, pero recalco nuevamente lo que hablé hace un par de semanas con respecto a Tommy Wiseau. Al menos él le puso ganas a su película, incluso interpretándola. No es la sumatoria de sketches sobre tiburones volando por el aire, que podría estar bien si se contara algo con ganas. 

Por alguna razón que se me escapa, esta semana vi varios cortos en distintas plataformas y no puedo dejar de mencionarlos. CORPS(2016), un pequeño documental de observación belga, Virus(2020) de Emi Castañeda que se pudo ver en el marco del festival asterisco y Blue Boy(2019) un documental de los que me gusta llamar encuesta social y estuvo disponible en MUBI. 

Put that in the past tense

Una amiga se muda y regala todos sus DVDs; si bien no soy un gran coleccionista ni guardo cierto romanticismo por el formato, decidí chusmear su colección y llevarme varias joyas (en su mayoría películas que no vi). Me pasan dos cosas con los DVDs, por un lado, la necesidad de verlos, están ahí ocupando espacio (igual que los libros) y una voz interna me dice "dale, tenés que mirarlos". Por el otro, admiro eso que hemos perdido dejando el formato de lado, me refiero al material extra que viene con el disco: casi siempre el trailer, escenas eliminadas, el comentario del director, fotos del rodaje y, en el mejor de los casos, un pequeño documental que te hace sentir un experto en todo lo que tiene que ver con la película. 

La primera película que vi del pilón que me traje fue Cortina Rasgada (1966) que pertenece al último periodo del maestro del suspenso. Si bien la película tiene todo lo que cualquiera podría señalar en una película de Hitchcock, no llega a generar el mismo interés que films anteriores, pero el documental que viene adjunto generó en mí una fascinación por la trama que enriqueció el relato y me hizo olvidar lo que sentí al verla. Aunque esta fascinación fue disminuyendo con el correr de las horas, me quedé con la duda de quién invirtió en este pequeño documental, tan bien elaborado. También me pregunté si se relaciona de alguna manera este tipo de contenido con el que encontramos en video-ensayos en Youtube, como una consecuencia lineal. 

 

Viniendo un poco a lo más nuevo, una película que quizás se podría haber estrenado en cines pero terminó en Apple TV: On the rocks (2020). Se comparó mucho esta película con una película anterior de la misma directora donde repetía al actor (que se ha encasillado en un personaje recurrente con su propio tono del que no puede salir) y creo que estas comparaciones son erradas. Si bien las protagonistas están en medio de una crisis, el abordaje de la trama y la motivación principal, paran a ambos films en esquinas diferentes. Se acabaron las emociones, la sensación de que no pasa nada y pasa de todo, mejor dicho, aquí el tema se invierte, pasa de todo cuando en realidad no está pasando nada. 

Estas semanas está disponible en Cinear un apartado para el festival de cine surcoreano Han Cine. De momento vi dos películas, pero me gustaría centrarme en la segunda A taxi driver(2017). Funciona como un reloj, cae en todos los lugares comunes y lo hace bien, sin que parezca forzado. La regla es la siguiente: para contar la historia de una guerra, contemos la historia de un soldado. Y siguiendo todos los pasos del camino del héroe, este film logra atrapar hasta el final (bueno, hasta en frases comunes caigo). Ah, y si fuera poco, cuenta Song Kang-So como protagonista, a quien hemos denominado con mi hermano como el Darín Coreano.

Comencé un curso de investigación y producción de archivo para documental, un tema que me viene interesando hace tiempo. Y como no podía ser de otra forma, aproveché para ver por fin La república perdida(1983), quizás el documental más completo sobre la historia política argentina que abarca desde 1930 hasta el golpe de Estado de 1976. Aunque la calidad que se encuentra en Youtube es lamentable, la cantidad de material de archivo utilizada se puede apreciar. Resulta completamente amena su narración y la música de Luis María Serra es la frutilla del postre. En palabras del propio Miguel Pérez, el film funciona por su estructura de golpes y contragolpes, donde se oponen las fallidas democracias y los golpes militares. Aunque el final del film es triste, la historia siguió y hoy festejamos 37 años de libertad. 

Cómo no reconocerte si sos la viva imagen del difunto!

Lamentablemente terminó el querido ciclo de cine argentino recuperado, no sin dejar de sorprender hasta el final con grandes joyas. El último domingo tuve el agrado de ver Vidalita(1949) donde Mirtha Legrand se hace pasar por varón gran parte del film. Lo gracioso está en la parte en la se ve obligada a ser mujer de nuevo, y en vez de revelar su verdad, decide hacerse pasar por un hombre disfrazado de mujer. Para el deleite de todos, acompaña con su interpretación Narciso Ibáñez Menta.

Esperamos que Peña repita pronto en ciclo (este mismo u otro nuevo, todos son más que bienvenidos).

De las cuatro películas de Lina Wertmüller protagonizadas por Giancarlo Giannini y Mariangela Melato (salvo Pascualino Siete Bellezas(1975)) sólo me quedaba ver Amor y Anarquía(1973). Y si bien las cuatro no guardan relación salvo su directora y su actor protagonista, podríamos decir que pertenecen al mismo universo, a un verosímil construido sobre una esencia italiana (que muchas veces cae en la italianidad). Un conflicto fuertemente social, atravesado por un amor (una encrucijada siempre), al que siempre da gusto volver.

Esta semana cumplí años y reseteé mi database donde hace un par de años llevo anotando de forma muy estricta todo lo que veo. Me sirve en parte para tener una idea de cuánto veo, cuánto cine nacional veo en relación al extranjero. Cuánto abuso de la piratería y cuánto uso hago de la formas legales. Cuántas películas nuevas en relación a las que volví a ver. En fin, este registro también me sirve como ayuda-memoria.

Pero como cada año vuelvo a enfrentarme a la planilla en blanco. Y este año decidí empezarlo con El juego de la silla(2003) la primera película de Ana Katz que tiene pendiente hace un tiempo y la nueva película de Aaron Sorkin estrenada a través de Netflix, El juicio de los 7 de Chicago(2020)  porque cada tanto una película de juicio viene bien.

Manejo dos hipótesis, y en ambas el hippie está muerto

Luego de haber visto Showgirls(1995), vi el documental de este año You Don't Nomi donde se analiza (no tan a fondo) la película de Verhoeven. Como destacaron en Hoy transnoche (de donde me surgió ver ambos films), este extra de DVD posiciona a la película como de culto pero dividida, por un lado lo que la consideran una obra maestra y por otro una película tan mala que es buena, poniendo en evidencia mucha gente que se ríe de la película pero que a la vez le encuentra un disfrute. 

Dejando la película de lado, de un tiempo a esta parte se estuvo hablando bastante de consumo irónico. Partiendo de que miro algo que es objetivamente malo y lo hago para burlarme, reírme de sus fallas y defectos. Actividad que sólo puede funcionar en compañía, para sentirse superior y quizás nunca llegue a hacer algo de ese nivel ni intentándolo. Y esto puede llegar a un punto bastante vergonzoso, sin ir más lejos lo que pasaba con The disaster artist(2017) donde Franco y sus amigos se burlar de una persona que le puso mucho entusiasmo para llegar a cumplir su sueño (aunque el tiro le haya salido para el lado contrario). Y no me dio tanta pena la película en sí (que la vi en su estreno a sala llena con gente que amaba The room(2003), repitiendo los diálogos) hasta el momento en que James Franco va a recibir el premio y se comparta de una forma muy condescendiente con Tommy Wiseau. 

Otro día seguiré con el consumo irónico pero ahora me quiero concentrar en un guionista/director que mencioné hace algunas semanas con su último estreno. ¿Qué sucede cuando vemos algo supuestamente complicado solo para tener la satisfacción de entenderlo? Parece ser un juego bobo, pero cada tanto nos encontramos con un cine que está construido con ese objetivo, y si vamos a Kaufman esperamos encontrarnos con eso, con un desafío. Al ver Anomalisa(2015), el juego es muy corto, como si el laberinto tuviera el camino marcado. Me gustó algo que escribió Roger Koza a partir de Pienso en el final(2020) donde comparaba el ejercicio con un crucigrama, que no invita a muchas más lecturas que esa, donde la satisfacción de resolverlo dura poco y con el tiempo no queda nada. El truco en la película animada se revela al llegar al primer tercio, y quizás soy un mal espectador (o no soy el que espera la película) pero durante el resto del film no llegué a empatizar con el protagonista. Entonces pongo en la balanza, cuánto de truco y cuánto de emoción. En definitiva, el truco me distrae. 

Se estrenó en Cinear Tengo Miedo Torero(2020), una coproducción con Chile, protagonizada por mi actor chile preferido, el señor Alfredo Castro, que si bien lo vi poco, siempre me ha deleitado con su interpretación. Siempre en un registro diferente, acotado a su personaje. Tanto que me dieron ganas de rever Rojo(2018) y lo terminé haciendo.

Hace ya bastante que decido ver películas nuevas (no vistas) antes que repetir y ver por enésima vez Shrek 2(2004)(aunque no voy a negar que la miro una vez al año). En parte porque me obliga a salir de mi zona de confort y poder sorprenderme con temas nuevos. Sin embargo, me he tomado el tiempo esta semana de revisitar películas todos los días. Tres de ellas las vi por primera vez en el cine hace un par de año: la ya mencionada Rojo(2018), Lalaland(2016) y Vice(2018). Debo admitir que las disfruté tanto como en el cine, pero a la vez extrañé mucho ir al cine. Las tres tienen un aspect ratio (cercano al 2,39:1) con unos letterbox importantes. También volví a una película que deje de rever cuando perdí la costumbre del zapping: Escuela de Rock(2003), de forma muy ligera y agradable sigue robando más de una risa. Por último, volví a The Pirates!(2012), el disfrutable stop-motion de plastilina del estudio Aardman. Si bien en su momento no me pareció gran cosa (ni siquiera recordaba la trama), con el tiempo encontró su lugar (aunque ya no esté en Netflix) y supe valorar su solidez. 

Les preguntaría si son una rana

Ya estuve hablando de biografías en entregas pasadas, pero me dediqué mayormente a las contemporáneas. Fui un poco para atrás y me topé con la versión de Freud(1962) dirigida por John Huston. Sigue el tipo de biografía que prefiero, en donde no se recorre toda la vida de una persona sino que se centra en un segmento con un determinado tema a tratar. En este caso se aborda sólo 5 años de la carrera del padre del psicoanálisis donde podemos ver cómo va elucubrando su teoría. La gran barrera del film es la linealidad impuesta por la forma, que no permite que se adapte la teoría al relato, es decir, nuestro protagonista da vueltas en círculos cuando la trama lo obliga a avanzar, como si tuviera un reloj que le avisa "viene el desenlace". Lo que lleva a saltar varios escalones (y hasta tropezarse) en su camino.  

Sigue el ciclo de Cine Argentino Recuperado y el domingo pasado Peña pasó Ufa con el sexo(1968), una película maldita que nunca llegó a estrenarse y estuvo perdida mucho tiempo. Peña lo explica muy bien en este video. 

Cada tanto se suele escuchar que alguien no muy allegado al cine (o sí, en el peor de los casos) se refiere a tal o cual film como una película psicológica. Me parece que genera una taxonomía que no es tal, donde se separa a esta clase de películas y las demás se transforman en chatas o lisas. Me parece que todas las películas que tengan un personaje que vaya más allá de un arquetipo es una película psicológica. No es necesario un personaje traumado como el Joker(2019) o ver cómo un personaje piensa, o se la pasa mirando el techo en un estado de depresión. Con el solo hecho de que a un personaje se le presente un dilema y tenga que decidir cómo actuar, ya estamos hablando de una película psicológica. Pero más allá de esto, de vez en cuando me encuentro con films que podrían tratarse en una clase de psicología por tener un personaje (digamos) distinto en una situación cotidiana. Estas películas podrían rozar con lo sociológico o, incluso, con lo antropológico (qué multidisciplinario). Justamente esta semana vi lo que considero un ejemplo de esto: El enigma de Gaspar Hauser(1974). Herzog toma este caso real de un joven que ha vivido sus primeros 16 años de vida encerrado en un sótano sin contacto con otro ser humano y repentinamente es liberado, empujado a vivir en sociedad. Sin la necesidad de explicar el misterio, la película recorre su aprendizaje y cómo Gaspar se convierte en objeto de estudio rápidamente. 

Hace varios años ya leí El cine según Hitchcock y cada vez que veo una película suya vuelvo al libro para revisar la parte en la que se la menciona. Actualmente en Qubit hay muchísimas películas de Hitchcock, sobre todo del periodo pre-Hollywood donde desarrolla fuertemente su estilo pero sin llegar al nivel de las obras maestras posteriores. Aunque me animaría a decir que no es el caso de La posada Maldita(1939) donde ni siquiera hace un cameo (el juego de buscarlo entre los extras funciona cuando se ve acompañado). En el libro tampoco hablan mucho ya que tampoco fue una buena experiencia para Alfred.

Who is the man that would risk his neck for his brother, man?

 Volví al blaxploitation, después de mucho tiempo de haber visto Dolemite(1975) en el Festival de Mar del Plata del año pasado y ese tan hermoso homenaje que le dedicó Eddie Murphy. Volví a un año particular, 1971, en el cuál se estrenaron dos películas opuestas, por un lado Shaft y Sweet Sweetback's baadasssss song. Opuestas en producción pero no tanto en público ni posición ante la ley. Mientras que uno encarna a un oficial, el otro debe escapar toda la película de los azules. Es interesante destacar este punto, donde el primero se impone por encima de los trámites burocráticos y ayuda a un gánster a liberar a su hija de la mafia italiana. El segundo, cansado del racismo decide actuar desde la opresión y sufrirá al respecto. Cabe destacar que en ambos casos, nuestros protagonistas paran todo y se toman el tiempo necesario para dar lugar a los encuentros carnales.  

En lo que viene siendo el maravilloso ciclo de EDA presenta se proyectó Chuva é cantoria na aldeia dos mortos(2019). Me hizo acordar mucho a Macunaima(1969), pero aquí centrándose en lo terrenal. Y si bien la película le da voz a un grupo poco representado en el cine (y en la sociedad), creo que su conflicto principal es universal (como ya lo he nombrado por estos textos): la persona obligada por una fuerza mayor a ocupar un rol o ser alguien que no quiere ser.

Sigo feliz con el ciclo del MALBA dedicado al cine argentino recuperado. El domingo pasado Peña nos sorprendió con La terraza(1963), esa película de Torres Nilson que se parece más a las películas de la generación del '60 que a sus películas anteriores (y a sus posteriores también). Una Graciela Borges radiante, como siempre.

La locura corre por mi familia, o mejor dicho, galopa

Por unos días estuvo disponible Días de Luz (2019), propuesta distinta centroamericana en el ciclo Mirá pa'cá. Integrada por 6 historias de distintos países de Centroamérica unidas por las mismas circunstancias. Si bien los relatos nunca llegan a cruzarse, sería imposible pensarlos como cortometrajes por separado. Aunque estén filmados de forma diferente, la idea de escenas intercaladas que están sucediendo en un mismo tiempo adentra al espectador en un tono, sintiendo que todo se ha detenido, pero sin embargo, hay que seguir.   

Muchas veces reflexiono sobre lo poco necesario que son las secuelas. Si bien tendemos a preguntarnos qué pasó con tal personaje al terminar el relato, o qué hubiera pasado si...; dejando de lado las películas con final abierto, creo que es interesante el juego de pensar cómo sigue. Y me animaría a decir que hay tantos desarrollos posibles como espectadores. 

Ahora bien, siento que una secuela (que no haya quedado pendiente en la original), es la realización de esa fantasía de un solo espectador. Y como se trata de satisfacer a un solo espectador, el resto (que venía con otra idea), queda completamente decepcionado. Creo que fue exactamente lo que me pasó con Doctor Sleep(2019), donde sin duda no me encontré con la película que yo esperaba. 

Cabe destacar la relación personal que guardo con la original (El resplandor(1980), claro). Que, habiéndola visto por primera vez a una temprana edad, me había impactado profundamente. Me generó un terror insoslayable a pesar de no tener ni idea quién era Jack Nicholson ni Stanley Kubrick. 

Podría despotricar acerca de este nuevo remix, pero prefiero dejarla pasar y dejar de confiar en los proyectos que elige Ewan McGregor       

Luego de terminado el ciclo tan mencionado aquí de óperas primas, llega al Malba (por Youtube) y de la mano de Fernando Martín Peña un ciclo dedicado al cine argentino recuperado. En el primer encuentro tuve la suerte de ver La calesita(1963) de y con el gran Hugo del Carril, de quien han hablado muy bien en la primera entrega de las veredas. 

Ella muere mañana(2020) me llevo a reflexionar sobre que rol fundamental juega el título de una película en la trama, sirviendo muchas veces como un viejo intertítulo del cine silente. Me da la sensación de que nos ahorramos un paso, de que podemos entrar de lleno en las emociones de los personajes si el título nos presenta la trama, o parte de ella. Pienso, sin ir más lejos, en Un condenado a muerte se escapa(1956) donde creo que también funciona perfecto. Incluso, funciona aún mejor, cuando a mitad del film nos preguntamos ¿será cierto el título?. En ese punto la película nos ganó, estamos completamente inmersos. Una picardía: quizás sea mejor nunca responder esa pregunta.

Una clásico y cierro. Hay una copia excelente de Arsénico y encaje antiguo(1944) en Qubit. Un Cary grant en su mejor momento y un humor negro completamente astuto. 

Los cuatrocientos golpeados

Finalmente terminó el hermoso ciclo de óperas primas mencionado en entregas anteriores. El último fin de semana tuve el agrado de ver la primera película de Arturo Ripstein, Tiempo de morir(1966) con guión de Gabo y Carlos Fuentes. Una cantidad de planos secuencias que cansan a cualquiera pero que no se apartan de un relato clásico, aquel donde un hombre es perseguido por su pasado y atormentado por su futuro (qué profundo, como si no fueran todos los relatos así). Del otro extremo del mundo, puntualmente Kazajistán, se pudo ver Kairat(1992) donde lo narrativo pasa de largo para dar lugar a lo onírico, con las preocupaciones tan propias del sueño, el único lugar donde se construye un mundo de reglas que no deben ser violadas (como una película, pero hay excepciones). 

Hay películas que quedan colgadas al momento del estreno, y creo que tiene que ver por no encontrar su tono. Esa sensación me dio esta semana al ver Jennifer's body (2009), una mezcla de dos mundos, que parece pensada por productores que quisieron unir dos temáticas que funcionaron. Digo esto porque las referencias para construir la película son claras. Por un lado el drama adolescentes con el tono cómico de Mean Girls(2004), incluso la protagonista actuó allí. Y por el otro lado las películas de rituales satánicos y vampiros. No termina de definirse por ningún lado. 

Hace años con dos amigos cercanos y estudiantes de cine ideamos una cantidad de sketches basados en la nouvelle vague de forma paródica llamado "la novela vaga". Pensamos, sin llevar nunca a cabo, innumerables cortos paródicos de películas del movimiento (algunas que murieron directamente en el título) y que (al menos yo) soñamos con retomarlo. Esta semana me encontré que el mismo Truffaut se nos adelantó 50 años, al filmar durante su estadía en el festival de Mar del Plata (por el estreno de Jules et Jim) un corto mudo titulado Los cuatro golpes(1963). Dura apenas 3 minutos y lo pueden encontrar en Youtube. Agradezco el dato a un nuevo newsletter cinéfilo que apareció en los últimos meses llamado Las veredas. 

No estoy con animo de ver ficciones que transcurran en la cuarentena actual(en parte porque los recursos se agotan, y en parte porque prefiero ver relatos que me ayuden a olvidar la realidad por un rato, no que me la remarquen)pero me insistieron y vi Host(2020). Tiene la duración exacta, no llega a la hora, emula ser una videollamada por la plataforma zoom y utiliza sus recursos al máximo. No rellena la trama con datos innecesarios y los jump-scares están en el momento justo. Invita al julepe.

Para no extenderme mucho más cuento que prometí volver al cine de Abbas Kiarostami y cumplí, está vez con la premiada El sabor de la cereza(1997). Aproveché y releí un par de notas en El amante cine del momento del estreno. Por otra parte, decidí volver al original (aunque posiblemente no sea nada original en sus pagos) y vi Yojimbo(1961), protagonizada por el más grande, el señor Toshiro Mifune. También decidí ver una secuela que no está al nivel de la primera (qué sorpresa), por más intentos que haga John Woo, Misión Imposible 2(2000) parece lo que sobró de Contracara(1997). No sé que más me deparará la saga, pero ya vendrá el análisis completo.

Le sorprendería lo que es físicamente posible

Seguimos con las óperas primas en el Malba. Una película increíble Mientras sopla el viento (1961) que en un primer momento parece que el planteo es parecido a La noche del cazador (1955) pero por suerte termina yendo para otro lado. Creo que uno de los puntos fuertes es el modo en que está retratado la inocencia en la niñez y desde dónde se construyen ciertos conceptos. Recuerdo que los temas referidos a la historia cristiana se me confundían (a pesar de haber sido bautizado nunca me mandaron a catequesis) y a una temprana edad creía que Jesús había sido crucificado a lo largo de la Italia.

Santiago Calori arrancó este año con uno de los mejores newsletters cinéfilos (que ya tiene web propia, qué nivel) y compartió esta joya que vio de chico por la tele: The talking of Pelham One Two Three(1974). Y más allá de lo divertida que es y que demuestra otro choreo de Tarantino; me interesa volver a lo que le pasó a Calori. Cómo te marcó una película que viste de chico, una del montón, que encontraste de casualidad (quizás empezada) y no volviste a ver por mucho tiempo. Me gusta pensar que son películas que llegan antes de tiempo, ya que no las podemos comprender o saber simplemente de qué hablan, pero hay algo ahí que sin duda nos llamó la atención. Posiblemente se deba a que no era lo que solíamos ver (claro que todos los días no se ve una película donde un grupo de personas secuestran un subte), pero tampoco creo que tenga que ver con la narrativa (lineal) sino porque claramente hay algo fuera de lugar. Se me ocurre que las películas que interrumpen la educación cinematográfica tienen escenas "de alto voltaje" (como le decían mis padres) ya sea sexo, violencia (me animaría a decir gore) o terror. 

Entre las películas postergadas por la pandemia (postergadas de su estreno en sala, claro), está Mulán(2020) versión live-action. Siendo una de las primeras películas que vi en cine (a los 3 años, acompañado de mis dos abuelas) guarda un lugar importante en mi corazón. Pero decidí hacer el ejercicio de ver la nueva versión haciendo de cuenta de que la versión de 1998 no existía. Aunque esto me fue casi imposible, me pareció que era la mejor manera de entrar a la película lo más fresco posible. Me encontré con un film muy respetuoso, buscando un público amplio, pero vacío, con una protagonista que está por encima de las circunstancias todo el tiempo dando la sensación de que los obstáculos le quedan chicos. A la vez, este poder innato de la protagonista (su chi) achica su desarrollo y agranda la distancia con el espectador. 

Y dejando de lado las comparaciones me preguntó cuál es la necesidad de esta película. Habiendo pasado menos de 25 años de su original, ¿no llega demasiado temprano la remake? ¿Tan rápido Disney necesita limpiarse las manos para no ofender a la cultura china ahora que son uno de los principales mercados? Quizás crecí, pero se le notan los hilos más que nunca.

A motivo de charlar sobre el reciclaje con mi hermano, recordé este corto espectacular que no puedo dejar de recomendar llamado La isla de las flores(1989). En apenas 10 minutos logra establecer un registro, explayarse y repensar el dispositivo. 

Vamos a decirle solo lo que queremos que sepan

Steven Soderbergh no deja de sorprenderme (no siempre para bien) con su variada que es su filmografía. Con sus altos y sus bajos en los últimos años, antes del filmar con un iphone y de hacer algo realmente inentendible sobre los Panamá Papers, se dispuso a filmar otra película de robos, un género (si se puede llamar género) que sabe tocar con los ojos cerrados.  La primera vez que me encontré con Logan Lucky(2017) fue en un avión, pensé que daba para algo más que la pequeña pantalla pegada al asiento delantero y la dejé pasar. Ahora viéndola en Netflix, creo que mi decisión fue correcta, no porque esté compuesta de planos complejos o detalles mínimos, sino porque es de esos espectáculos (porque esta film no es más que un entretenimiento) donde vale la pena ponerse cómodo y verlo de la mejor forma posible. 

Pienso en el final(2020) se estrenó en Netflix y hubo comentarios por todos lados, que es muy pretenciosa, que es interesante por esto y aquello, que llegó al punto de no tener sentido alguno, que no sabemos por qué lo dejan seguir dirigiendo, que usa trucos de un corto de estudiante de cine, que no resuelve, que da vueltas sobre lo mismo, que es un ensayo, que no deja de mirarse el ombligo, que las actuaciones están muy bien pero no se entiende, que no sabemos qué esperar, que se mete con otra película que todos aman pero no están de acuerdo, que al fin metió una mujer de protagonista (con toda la misoginia que se le reprocha). Quizás la película sea todas estas cosas y ninguna. Francamente no me fascinó pero debatiría si se prestan las circunstancias.

Volví a ver después de mucho tiempo Harry Potter and Deathly Hallows (parte 1: 2010 y parte 2: 2011) y debo admitir que las disfruto mucho a pesar de seguir encontrándole fallas (desde cuestiones que no se explican y cambio con respecto al libro). Si bien este mundo da mucho para hablar (tanto como su autora), me gustaría centrarme en la siguiente cuestión: ¿Es una saga muy pegada a la generación (la mía +/- 5 años) que creció con ella? Crecer esperando la carta de para entrar a un colegio secundario pupilo debe haber sido el sueño de esa generación. Contagiarnos un montón de modos británicos de ver el mundo (aunque nos apegamos mucho al doblaje): el interés por el té, entender qué hace un ministro (hasta ahí), creer que siempre que vayamos a algún lugar estamos viendo solo un lado de las cosas. 

Pienso en otras sagas como Star Wars que reúne varias generaciones o El Señor de los Anillos que tenía un público previo y cómo siempre volvemos (como a películas que nos encantan), para encontrar un lugar confort, donde estamos completamente protegidos, donde Voldemort nunca va a ganar y la poción de amor es siempre efectiva.

No puedo dejar de recomendar el podcast que me llevo a rever estas películas que pueden encontrar en Spotify. Plantean de forma graciosa muchas dudas alrededor del universo mágico.

Siguiendo la pregunta de ¿Esto ganó el Oscar a mejor película? me encontré con una película que debía hace mucho: Cowboy de medianoche(1969). Pegando en el palo con el New Hollywood, ya mostrando el lado más lúgubre de New York donde un joven del interior va a buscar su vida. Claramente termina mal y no la encuentra, aunque en el camino también perdió su inocencia (acogotada con traumas un poco anteriores). 

Hay un gran interés en los festivales internacionales por las óperas primas. Celebrar las nuevas miradas, hallar autores. A la vez, resulta interesante ver óperas primas de artistas consagrados, por eso el Malba ofrece un ciclo online de cine dedicado a las primeras obras elegidas y presentadas por los dos grandes: Fernando Martín Peña y Roger Koza. Llegué a sintonizar (son restrictivos con el horario) la ópera prima de Pier Paolo Pasolini: Accattone(1961).

Cuando se ama no es necesario pedir perdón

Después de haber visto el documental sobre la vida Robert Evans me dieron ganas de ver varias películas de la Paramount que me quedaban pendientes. En la misma semana vi Marathon Man(1976) y Love Story(1970). Un thriller de espías con nazis prófugos en Uruguay que ya no se ve seguido y una historia de amor (valga la redundancia) que es más recordada por su tema musical principal. 

En el marco de EDA PRESENTA se compartió el link para poder ver Erase una vez en Venezuela(2020) para luego poder tener una charla vía Zoom con la directora y el montajista. El documental muestra en detalle como un pueblo en el norte de Venezuela va quedando completamente inundado; y, tirando un poco más el hilo, lo olvidado que está el territorio por parte del Estado. 

Seguimos con el reciente cine de terror argentino que ya he mencionado en estas entregas: Aterrados(2017). Esta película de Demián Rugna se puede ver hace un tiempo en Netflix, estuvo un tiempo en Cinear y en un tiempo tenemos la remake estadounidense dirigida por él mismo y producida por Guillermo Del Toro. 

Dotada de ideas interesantes que no solemos ver, la película aborda lo sobrenatural. Se toma el tiempo de explicarlo pero creo que no llega a quedar claro del todo. Tiene un poco de todo, monstruo que se ve lo suficiente, investigadores, found footage, zombies, policía federal. 

De un tiempo a esta parte Netflix intenta abarcar la mayor cantidad de publico, o tocar tocas las teclas y para eso incluye en su catálago películas que le fueron bien en festivales. Burning(2018) pertenece a una de estas ráfagas que cada tanto encontramos. Una película que utiliza todo su tiempo para construir expectativas y la mayoría de veces no cumplirlas. Que da espacio al espectador a entender lo justo y necesario como para plantear dudas y a la vez certezas. Diría que es complicado hablar del tema de la película, ya que toca varios y no busca ser didáctica.  

Debo admitir que no soy fanático de las películas de exorcismos, más allá de El exorcista(1973) no me llama mucho la atención. Pero la idea de ir un poco más allá con un exorcismo (fallido) poniendo en tela de juicio la real posesión del Maligno hace que está película sea un poco más interesante. El exorcismo de Emily Rose(2005) relata los "hechos reales" de un caso donde la víctima de la posesión muere y cargan al cura exorcista con su muerte. Aunque el malo de la película es a todas luces el fiscal escéptico (donde creo que la película falla al hacerlo tan arrogante), logra que nos preguntemos si los síntomas de alguna enfermedad no pueden "dar la sensación" de que el Demonio acecha sobre un pobre cuerpo. 

La película se encuentra en Netflix, no tiene gran presupuesto pero lo tapa al no mostrar el exorcismo completo (a la vez es interesante que nos llegue el relato de los personajes que lo vivenciaron) . 

Yo no sería el que soy si no te hubiese conocido

Seguir la historia de la entrega de los premios Oscar resulta al menos interesante. Nos encontramos periodos donde las ganadoras fueron fácilmente olvidadas por lo que se denomina la Historia del Cine y otros con aciertos. El caso de En el calor de la noche(1967) me resulta difícil de encuadrar. Trata mucho mejor el racismo en el sur de Estados Unidos que la reciente ganadora Green Book(2018), siempre desde la mirada de los blancos, claro. 

Se estrenó en Netflix Nasha Natasha(2020). Si bien quedan preguntas sin responder (no parecen estar del todo planteadas), este documental nos acerca a vida de una artista que tiene millones de seguidores del otro lado del mundo. Y quizás sea solo eso, el carisma de Natalia Oreiro. 

Cuenta con un par de recursos que parecen no aportar nada. Si bien la voz en off con las definiciones estructura el relato no parece haber mayor relación ni hilo conductor con el material filmado. 

Otra vez gracias a Hoy Trasnoche, llego a esta película desde ya polémica (que podría dar que hablar por días en Twitter), llamada Red Dawn(1984) o Jóvenes Defensores como se la estrenó en Argentina. De los mayores miedos de los conservadores norteamericanos, de donde surge quizás su defensa al porte de armas de fuego (aunque se trate de menores de edad). Y como nombran en el querido podcast, quizás se les fue la mano. 

Los documentales que podríamos catalogar como ensayos de los realizadores sobre sus vidas rara vez suelen conmoverme, pero sí me emocionó Ficción Privada(2019) que pudo verse de forma gratuita el sábado pasado gracias al MALBA. Y creo que se dio principalmente por el tema que trata: los padres y su ausencia. Porque lo que busca Andrés (y en cierta medida buscamos todos) es mantener vivo el recuerdo. Y como en toda película de ficción contrata actores para que den vida a sus padres. 

Siempre suma la presencia de Edgardo Cozarinsky.

Las películas basadas en crímenes reales parecen ser un nuevo subgénero en Argentina. Podría poner por un lado los que sucedieron tiempo atrás (como las películas basadas en los casos de Robledo Puch o la familia Puccio) y por el otro casos más recientes como los retratados en El patrón, radiografía de un crimen(2014) o Acusada(2018).  Crímenes de familia (2020) pertenece a este segundo grupo. Dejando de lado la polémica de su estreno, prefiero centrarme en el retrato que busca construir Sebastián Schindel (una persona que viene del documental y se nota). En muchos puntos sobreexplicada y didáctica, necesita romper la narrativa lineal para generar misterio con los dos juicios en paralelo. Los interpretes están muy bien, pero se destaca Yanina Ávila (con su hijo) que al no ser una actriz profesional (su primera aparición fue en Una especie de familia (2017)) logra transmitir mucho más que la protagonista. 

Si todas las películas son un viaje, están destinadas las comedias a ser un viaje con problemas. ¿Quién *&$%! son los Miller?(2013) y Mejor solo que mal acompañado(1987) son dos brillantes ejemplos. Gente que está obligada a viajar junta por motivos poco congruentes que bien nos recuerda a Lo que sucedió aquella noche(1934) o en su defecto a La rubia del camino (1938). Y como si faltara nada, las diferencias se aplanan con el viaje y terminan considerándose familia.